Einführungskurs für die Rock and Roll Hall of Fame 2023 angekündigt

Die Einführungszeremonie der Rock and Roll Hall of Fame 2023 findet am Freitag, den 3. November, im Barclays Center in Brooklyn statt.

Ryan Haidet

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Die Kandidaten für die Rock Hall 2023 werden vorgestellt

Lernen Sie die diesjährige Klasse kennen

Die Einführungszeremonie 2023 kehrt nach New York zurück

Das Barclays Center in Brooklyn ist Gastgeber der diesjährigen Veranstaltung

Rock'n'Roll-Könige

Wie der Induktionsprozess funktioniert

Kate Bush

Vorheriger Kandidat

Sheryl Crow

Erstmalige Nominierung

Missy Elliott

Erstmaliger Kandidat, im ersten Jahr teilnahmeberechtigt

George Michael

Erstmalige Nominierung

Willie Nelson

Erstmalige Nominierung

Wut gegen die Maschine

Vorheriger Kandidat

Die Spinner

Vorheriger Kandidat

DJ Kool Herc

Auszeichnung für musikalischen Einfluss

Link Wray

Auszeichnung für musikalischen Einfluss

Chaka Khan

Preis für musikalische Exzellenz

Bernie Taupin

Preis für musikalische Exzellenz

Al Kooper

Preis für musikalische Exzellenz

Don Cornelius

Ahmet-Ertegun-Preis

Welche Nominierten für 2023 haben es nicht geschafft?

Es gibt immer nächstes Jahr

CLEVELAND

Hier. Wir. Gehen.

Die Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame 2023 wurde am Mittwochmorgen bekannt gegeben, da wir auch erfahren haben, dass die Aufnahmezeremonie diesen November in New York stattfinden wird.

Wer hat also den Schnitt gemacht? Die diesjährige Liste der Rock'n'Roll-Könige umfasst ...

In der folgenden Geschichte können Sie ausführliche Biografien lesen und Musikvideos des diesjährigen Kurses ansehen ...

Zu dieser Kategorie gehören Künstler, die Musik geschaffen haben, deren Originalität, Wirkung und Einfluss den Lauf des Rock'n'Roll verändert haben.

Zu dieser Kategorie gehören Künstler, deren Musik und Auftrittsstil den Rock'n'Roll und die Musik, die sich auf die Jugendkultur ausgewirkt hat, direkt beeinflusst, inspiriert und weiterentwickelt haben.

Diese Kategorie umfasst Künstler, Musiker, Songwriter und Produzenten, deren Originalität und Einfluss beim Schaffen von Musik einen dramatischen Einfluss auf die Musik hatten.

Zu dieser Kategorie gehören nicht performende Branchenprofis, die einen großen Einfluss auf die kreative Entwicklung und das Wachstum von Rock'n'Roll und Musik hatten, die sich auf die Jugendkultur ausgewirkt haben.

Cleveland wird die diesjährige Einführungszeremonie nicht ausrichten, da die Rock and Roll Hall of Fame außerdem bekannt gegeben hat, dass die Veranstaltung 2023 am Freitag, den 3. November, im Barclays Center in Brooklyn, New York, stattfinden wird.

„Die unglaubliche Gruppe der diesjährigen Neuzugänge spiegelt die vielfältigen Künstler und Sounds wider, die Rock & Roll ausmachen“, sagte John Sykes, Vorsitzender der Rock and Roll Hall of Fame Foundation. „Wir fühlen uns geehrt, dass die Einführungszeremonie im November in New York mit zwei Meilensteinen der Musikkultur zusammenfällt; der 90. Geburtstag von Willie Nelson und der 50. Jahrestag der Geburt des Hip Hop.“

Ticketinformationen werden zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.

Das letzte Mal, dass Cleveland eine Einführungszeremonie veranstaltete, war im Jahr 2021. Die Veranstaltung im Jahr 2022 fand in Los Angeles statt.

Laut der Rock and Roll Hall of Fame muss ein einzelner Künstler oder eine Band ihre erste kommerzielle Aufnahme mindestens 25 Jahre vor dem Jahr der Nominierung veröffentlicht haben, um teilnahmeberechtigt zu sein.

„Die Stimmzettel der Kandidaten werden an ein internationales Abstimmungsgremium aus mehr als 1.000 Künstlern, Historikern und Mitgliedern der Musikindustrie geschickt“, erklären die Verantwortlichen der Rock Hall. „Faktoren wie der musikalische Einfluss eines Künstlers auf andere Künstler, Länge und Tiefe der Karriere und des Gesamtwerks, Innovation und Überlegenheit in Stil und Technik werden berücksichtigt.“

Der Jahrgang 2023 umfasste mehrere Erstnominierte wie Sheryl Crow, Missy Elliott, George Michael und Willie Nelson.

Anmerkung des Herausgebers: Das Video im Player oben wurde ursprünglich am 26. April 2023 in einer unabhängigen Rock Hall-Geschichte veröffentlicht.

HINWEIS: Alle folgenden Biografien wurden von der Rock and Roll Hall of Fame bereitgestellt.

Als faszinierende Visionärin hat die Sängerin, Songwriterin, Multiinstrumentalistin und Produzentin Kate Bush einen einzigartigen Raum im Rock geschaffen. Sie nutzte üppige Klanglandschaften, radikale Experimente, literarische Themen, Sampling und Theatralik, um das Publikum zu fesseln und unzählige Musiker zu inspirieren.

Kate Bush steuerte den Lauf ihrer Karriere von Anfang an, kämpfte gegen ihr Plattenlabel um die Kontrolle über ihre vielseitige Musikästhetik und behielt die Kontrolle, indem sie ein Home-Recording-Studio sowie Verlags- und Verwaltungsfirmen für ihre Arbeit gründete. Die von Emily Brönte inspirierte Debütsingle „Wuthering Heights“ aus dem Debütalbum The Kick Inside (koproduziert von David Gilmour von Pink Floyd) machte Bush über Nacht zu einer Sensation und zur ersten Künstlerin, die mit einem selbstgeschriebenen Song Platz eins der britischen Charts erreichte Lied. Dem Album folgte bald die einzige Konzerttournee von Lionheart und Bush, die Musik, Tanz, Theater, Poesie, Pantomime, Burleske und Magie kombinierte. Die Presse beschrieb die Tour als „außergewöhnliches, wasserköpfiges Biest“ und Elton John bezeichnete die Tour als „Maßstab für zukünftige Volksshows“.

Nach einer 12-jährigen Pause veröffentlichte Kate Bush das von der Kritik gefeierte Doppelalbum Aerial (2005), das vielschichtig, experimentell und genreübergreifend zugleich ist. 2014 kehrte sie für eine Konzertresidenz im Londoner Hammersmith Apollo auf die Bühne zurück. Die Tickets waren innerhalb von 15 Minuten ausverkauft und der darauffolgende Beifall brachte acht ihrer Alben gleichzeitig in die Charts – eine weitere Premiere für Frauen im Rock. Im Jahr 2022 wurde in der Fernsehsendung „Stranger Things“ Bushs emotionaler Song „Running Up That Hill (A Deal With God)“ aus dem Jahr 1985 prominent vorgestellt, was eine weitere Renaissance von Kate Bush einläutete und eine neue Generation von Fans hervorbrachte. Der Song schoss auf Platz eins der britischen Single-Charts und in die Top Ten in den USA, während die Spotify-Streams des Songs um 9.000 Prozent zunahmen.

Kate Bush und ihr bezaubernder Gesang haben Künstler von Johnny Rotten über Tori Amos bis hin zu Big Boi beeinflusst. Bush öffnete Künstlerinnen die Tür, radikaler mit ihrer Musik, ihrem Image und ihrer Theatralik zu experimentieren, und inspirierte Björk, Solange, St. Vincent und zahlreiche andere. Sie ist nicht nur ein Rock-Superstar, sondern eine Legende.

Sheryl Crows Stimme ist für immer mit der amerikanischen Musik verbunden. Durch ihre kraftvollen Soloauftritte, die Zusammenarbeit mit Branchenikonen und die Arbeit früher Session-Musiker spiegelt sich Crows Einfluss im klassischen Rock, Pop, Country, Folk, Blues der 1990er Jahre und in der Arbeit unzähliger Singer-Songwriter wider.

Crow hatte 1987 ihren großen Durchbruch als Sängerin für Michael Jacksons Bad-Welttournee. Von da an wurde sie Session-Musikerin und lieferte Backing-Vocals für Stevie Wonder, Belinda Carlisle und Don Henley – während sie gleichzeitig Songs für Celine Dion, Tina Turner und schrieb Wynonna Judd. Als Solokünstlerin bei A&M unter Vertrag, veröffentlichte Crow 1993 ihr Debütalbum „Tuesday Night Music Club“ – mittlerweile ein verehrter Klassiker, der drei ihrer neun Grammys einbrachte, darunter „Best Female Rock Vocal“ und „Album des Jahres“ für „All I Wanna Do“. Crow produzierte und spielte mehrere Instrumente auf ihrem selbstbetitelten zweiten Album von 1996, das ein weiterer kommerzieller Hit war und zwei weitere Grammys gewann. Ihr Erfolg setzte sich bis in die 2000er Jahre mit den Platin-Alben C'mon, C'mon (2002) und Wildflower (2005) sowie den mit Gold ausgezeichneten Detours (2008) fort.

Im Laufe ihrer Karriere hat Sheryl Crow mit einigen der größten Namen der Rock- und Country-Musik zusammengearbeitet – Keith Richards, Prince, Johnny Cash und Loretta Lynn, um nur einige zu nennen – und eine ganze Reihe von Künstlern angezogen, die an ihrem Selbstverständnis arbeiten letztes Album, Threads 2019. Die Kooperationen, die Crow zwischen erfahrenen und jüngeren Künstlern auf Supergroup-Ebene aufbaute, gipfeln in einem Album, das ihre spirituellen, politischen und musikalischen Weltanschauungen auf den Punkt bringt. Zu den Threads gehören das sozialbewusste „Story of Everything“ mit Chuck D, Andra Day und Gary Clark, Jr., das bodenständige „Prove You Wrong“ mit Stevie Nicks und Maren Morris sowie Eric Clapton, Sting und Brandi Carlile, die George Harrison covern Andacht „Vorsicht vor der Dunkelheit“.

Der umfangreiche Katalog dieses gefühlvollen Rock-Superstars bringt Sheryl Crow den Titel ein, den ihr der Country-Singer-Songwriter Chris Stapleton verliehen hat: „Eine der besten, die wir je hatten ... und vielleicht jemals haben werden.“

Missy „Misdemeanor“ Elliott, Songwriterin, bahnbrechende Produzentin, Labelmanagerin und Video-Trendsetterin, war maßgeblich an der Entwicklung des Virginia-Beach-Sounds beteiligt, der in den späten 1990er- und 2000er-Jahren den Äther eroberte. Sie etablierte sich als gefragte Songwriterin und Produzentin und gründete ihr eigenes Plattenlabel, bevor sie als mit Platin ausgezeichnete Solostarin durchstartete. Elliott hat neue Wege für Frauen in der Musikindustrie und der Gesellschaft im Allgemeinen geebnet, indem sie hinter den Kulissen die Kontrolle über ihren Körper, ihre sexuellen Wünsche und ihr Schwarzsein in ihrer Musik beherrschte und sich dafür kompromisslos einsetzte.

Es kommt vor, dass ich online gegangen bin und gesehen habe, dass du irrelevant bist, dass du ein Flop bist, dass du fertig bist und es mich manchmal zermalmt hat 🥺 ABER Gott, du hast mich STARK gemacht, ich habe weitergemacht und du hast meiner jahrzehntelangen ARBEIT erlaubt, sich selbst zu sagen 🙏🏾 Ich bin DEmütig Vielen Dank an alle meine Unterstützer💜 ICH LIEBE EUCH💜 pic.twitter.com/gkHUttWoU5

Missy Elliotts Debütalbum Supa Dupa Fly (1997) etablierte ihren Sound: eine futuristische Produktion voller erschütternder Verzerrungen unter ihrem unnachahmlichen Rap-Stil. Sie spuckt lautmalerischen Unsinn, Singgesang und schroffe Synkopen in einem typischen urbanen Südstaatenstil aus. Auf diesem und den folgenden Alben wie „Miss E...So Addictive!“ (2001) und ihrem selbstproduzierten The Cookbook (2005) hat Elliott das Seltsame genommen und es nicht nur zugänglich, sondern auch zum gefragtesten Sound im Hip-Hop und R&B gemacht. Ihre Musikvideo-Ästhetik erwies sich mit ihren körperverändernden visuellen Effekten als ebenso köstlich ausgefallen wie ihre Musik. Elliott singt mit abgenommenem Kopf („One-Minute Man“), trägt einen einziehbaren Kopf („Get Ur Freak On“) und übertreibt und zelebriert ihre Größe mit Hilfe einer Fischaugenlinse und einem aufblasbaren Anzug aus Lackleder („ Der Regen").

Als wahre Wegbereiterin in einem von Männern dominierten Genre wurde Missy Elliott als erste Rapperin (und dritte Hip-Hop-Künstlerin) in die Songwriters Hall of Fame aufgenommen und mit dem MTV Video Vanguard Award ausgezeichnet. Zu ihren weiteren Auszeichnungen zählen vier Grammys, zwei Ehrendoktorwürden und der von den Vereinten Nationen verliehene Woman's Entrepreneurship Day Music Pioneer Award. Sie hält mit sechs auch den Rekord für die meisten Platin-Alben einer Rapperin. Elliott hat Songs für ein wahres Who-is-Who der Stars produziert und/oder geschrieben, von Aaliyah und Beyoncé bis hin zu Eminem und Lizzo.

George Michael besaß außergewöhnliches Talent als Songwriter, Sänger und Produzent. Seine unvergleichliche Vision und Tatkraft machten ihn zum Superstar und er wurde von 1984 bis 2004 der meistgespielte Künstler im britischen Radio und einer der meistverkauften Künstler aller Zeiten.

George Michael gründete das Pop-Duo Wham! mit ihrem Schulkameraden Andrew Ridgeley im Jahr 1981. Mit Hits wie „Wake Me Up Before You Go-Go“ und dem zeitlosen Feiertags-Megahit „Last Christmas“ erlangten sie Teenager-Idol-Status. Michaels erster Ausflug ins Solo-Rampenlicht mit den introspektiven Hits „Careless Whisper“ und „A Different Corner“ bedeutete schließlich 1986 das Ende der Gruppe.

Nach dem weltweiten Pop-Erfolg von Wham! komponierte George Michael 1987 mit Aretha Franklin das Hit-Duett „I Knew You Were Waiting for Me“ und veröffentlichte sein selbstproduziertes Solo-Debüt Faith. Mit gut gemachten Hooklines, ausgereiften Texten und Funk- und Motown-Einflüssen war Faith mit vier Hitsingles, darunter dem Titeltrack und „Father Figure“, ein Nummer-eins-Hit. Es war das erste Album eines weißen Solokünstlers, das die Top Black Albums-Charts von Billboard anführte, und bleibt eine der meistverkauften LPs aller Zeiten. Echos sind im leidenschaftlichen Gesang und in den persönlichen Texten von Künstlern von Adele über Lady Gaga bis hin zu Mary J. Blige zu hören.

Da er wollte, dass seine Musik für sich selbst spricht, lehnte George Michael es ab, auf dem Albumcover und in Musikvideos zu „Listen Without Prejudice Vol.“ zu erscheinen. 1. Das Album ist ein Meisterwerk, das auf Michaels Kampf als verschlossener schwuler Mann auf dem Höhepunkt der AIDS-Epidemie anspielt. Nach seinem Coming-out im Jahr 1998 scheute Michael jedoch nicht mehr vor Ehrlichkeit zurück und ebnete den Weg für eine Generation stolzer LGBTQIA+-Künstler, von Sam Smith über Lil Nas X bis hin zu Troye Sivan.

George Michael starb im Jahr 2016 und hinterließ ein bemerkenswertes Erbe als brillanter Künstler, Aktivist, Philanthrop und Verfechter der Authentizität des Künstlers.

Mit über 60 Jahren Erfahrung im Musikgeschäft ist Willie Nelson (geb. 1933) – Songwriter, Performer, Anti-Establishment-Geächteter, politischer Aktivist und Philanthrop – eine amerikanische Institution. Nelson mag Country-Musik sein Zuhause nennen, aber er hat immer stilistische Grenzen überschritten – indem er Rock & Roll, Jazz, Pop und Blues vermischte.

Nelsons erster Erfolg war das Schreiben von Hits für die größten Stars des Landes, darunter Patsy Cline („Crazy“) und Ray Price („Night Life“), sowie von Songs, die zu Standards geworden sind („Funny How Time Slips Away“). Im Jahr 1962 veröffentlichte Nelson das erste von sage und schreibe 73 Solo-Studioalben. Aber es ärgerte ihn, innerhalb der Grenzen von Nashville zu arbeiten, und 1972 kehrte er nach Texas zurück, um nach seinen eigenen Vorstellungen Musik zu machen. Nelson knüpfte an Austins Gegenkultur an und nahm für Atlantic auf, wobei er Country mit Rock und Blues kombinierte. Songs wie das autobiografische „Me and Paul“ (1971) grooven und swingen mit Blues-Licks, während Pedal Steel und Piano im Vordergrund stehen. Nelson und seine Mitverschwörer Waylon Jennings, Jessi Colter und Tompall Glaser leiteten mit ihrem Wanted! die Outlaw Country-Bewegung ein. „The Outlaws“ ist das erste Country-Album, das mit Platin ausgezeichnet wurde.

1975 war Nelson ein Superstar. Sein Konzeptalbum Red Headed Stranger (1975) lieferte seinen ersten Nummer-Eins-Hit: „Blue Eyes Crying in the Rain“. In echter Outlaw-Manier veröffentlichte Nelson ein Gospel-Album, Troublemaker (1976), und ein Album mit Pop-Standards (produziert von Booker T), Stardust (1978); beide gingen an Nummer Eins. Während er weiterhin den Traumkatalog eines jeden Songwriters schuf, gründete Nelson mit Jennings, Johnny Cash und Kris Kristofferson auch die Supergruppe Highwaymen. Er hat mit so unterschiedlichen Künstlern wie Ray Charles, Julio Iglesias, Paul Simon, Bob Dylan, Sheryl Crow, Wynton Marsalis und Snoop Dogg zusammengearbeitet.

Willie Nelsons Arbeit hat Generationen von Musikern beeinflusst, von Neil Young über John Mellencamp bis hin zu Kacey Musgraves, und sein persönliches Handeln hat das Wohlergehen von Millionen Amerikanern unterstützt. Im Jahr 1985 war Nelson Mitbegründer von Farm Aid, um Familienbauern zu helfen. Er ist Co-Vorsitzender von NORML, das die Legalisierung von Marihuana unterstützt, und setzt sich für zahlreiche Anliegen ein, darunter Tierschutz und LGBTQIA+-Rechte.

Der größte Rock & Roll ist die Stimme des Wandels, und Rage Against the Machine erschütterte die Grundfesten des Status Quo – textlich, klanglich und philosophisch. Die Band mischte Hip-Hop, Punk, Metal, Funk und Rock auf völlig neue Weise. Sie nahmen unterdrückerische Machtsysteme – kulturelle, politische und wirtschaftliche – ins Visier und setzten einen neuen Standard dafür, wie man durch die Macht der Musik eine Revolution entfachen kann.

Das 1991 gegründete Quartett aus Los Angeles brachte mit seinem selbstbetitelten Debüt von 1992 und dem 1996 erschienenen „Evil Empire“ den Raprock in den Mainstream und etablierte Rage Against the Machine als eine kraftvolle Kraft, die ihre Stärke aus der Überwindung klanglicher Grenzen nutzte. Zack de la Rochas mitreißender, Hip-Hop-inspirierter Gesang erinnert an seine Zeit als Frontmann einer Hardcore-Band. Die Rhythmusgruppe aus Bassist Tim Commerford und Schlagzeuger Brad Wilk steigerte die Dringlichkeit von de la Rochas Darbietung mit tiefen, schweren Grooves, die von einem stampfenden Backbeat gestützt wurden – keine Rhythmusgruppe könnte die Lautstärke geschickter maximieren und gleichzeitig in der Tasche bleiben. Gitarrist Tom Morello hat die Rap-Rock-Hybridisierung weiter vorangetrieben als zeitgenössische Gruppen. Er nutzte Pedale, Kippschalter und alternative Stimmungen, um Effekte, die normalerweise von Hip-Hop-Plattenspielern, Samplern und Synthesizern erzeugt werden, durch Rage's treibende Riffs und ikonische Soli in die Sprache des Heavy Metal zu integrieren.

Rage Against the Machine waren Teil einer Musiktradition, die dem MC5, dem Clash und Public Enemy verpflichtet war. Während sich viele Rockbands der 1990er-Jahre für soziale Gerechtigkeit einsetzten, stand ihnen die rebellische Politik von Rage Against the Machine weit überlegen. Auf und neben der Bühne gaben die Bandmitglieder den Machtlosen eine Stimme, riefen lokale und globale Ungleichheiten hervor und wetterten gegen Zensur, Vetternwirtschaft der Unternehmen und Übergriffe der Regierung. Ihre Texte waren klug und pointiert; „Freedom“ beleuchtete die Notlage von Leonard Peltier, einem inhaftierten Anführer der amerikanischen Ureinwohner, während „People of the Sun“ seine Solidarität mit den tyrannisierten mexikanischen Bürgern zeigte. Auch heute noch sind ihre Texte relevant. „Killing in the Name“, eine scharfe Anklage gegen Rassismus und Polizeibrutalität, findet in Städten in ganz Amerika immer noch großen Anklang. Rage Against the Machine schufen dreiste Protestmusik für die moderne Welt.

Die Spinners bleiben eine der beliebtesten R&B-Gesangsgruppen der Welt und werden von Fans und Künstlerkollegen gleichermaßen gefeiert. Ursprünglich eine Motown-Band mit Detroit-Ursprung, prägten die üppigen, gefühlvollen Harmonien und die magnetische Bühnenpräsenz der Spinners den Philadelphia-Soul. Sie erzielten enorme Crossover-Erfolge, ihre Songs füllten die Radiowellen und erreichten Zuhörer auf der ganzen Welt.

Bevor sie sich in der klassischen Fünf-Mann-Besetzung aus Henry Fambrough, Billy Henderson, Pervis Jackson, Bobbie Smith und Philippé Wynne etablierten, verbrachten die Spinners fast zwei Jahrzehnte in ihrer Heimat Detroit. Die Spinners starteten auf Harvey Fuquas Tri-Phi-Label und veröffentlichten 1961 ihre Debütsingle „That's What Girls Are Made For“. 1964 wechselte die Gruppe zu Motowns VIP-Label, wo „I'll Always Love You“ zu ihrem Label wurde erste R&B-Chartsingle des Labels, die ihren Höhepunkt auf Platz acht erreichte. Die Gruppe hatte auch eine Top-5-R&B-Single mit dem 1970er-Jahre-Titel „It's a Shame“, der von Stevie Wonder mitgeschrieben und produziert wurde.

Zwei Jahre später zogen die Spinners auf Geheiß von Aretha Franklin nach Atlantic, wo sie sich mit dem Philadelphia-Produzenten und Songwriter Thom Bell zusammentaten, eine perfekte Wahl angesichts seiner früheren Arbeit mit den Delfonics und den Stylistics. Die Gruppe entwickelte sich mit vier R&B-Hits Nummer eins in weniger als 18 Monaten zu einer Hitmaschine: „I'll Be Around“, „Could It Be I'm Falling in Love“, „One of a Kind (Love Affair)“ und „Mächtige Liebe – Pt. 1.“ Die Spinners veröffentlichten in ihren ersten fünf Jahren bei Atlantic zwölf aufeinanderfolgende Top-Ten-R&B-Singles. Die Disco-Ära brachte gewaltige Crossover-Hits mit „They Just Can't Stop It (The Games People Play)“, „The Rubberband Man“ und mit Dionne Warwick „Then Came You“, Nummer Eins der Billboard Hot 100.

In den folgenden Jahrzehnten veröffentlichten die Spinners acht weitere Alben, darunter „Round the Block and Back Again“ aus dem Jahr 2021, und gewannen unzählige neue Fans auf allen Kontinenten, die von den ewigen Freuden des klassischen R&B angezogen wurden. Ikonen wie Elton John, David Bowie und Elvis Costello haben ihr Lob gesungen.

Alles, was wir heute als die gewaltige kulturelle Kraft des Hip-Hop erkennen, begann vor 50 Jahren in der Bronx mit den Plattenspielern von DJ Kool Herc. Herc war einer der Gründerväter der Hip-Hop-Musik. Er wanderte in den 1960er Jahren von Jamaika nach New York aus und begann Anfang der 1970er Jahre, in seiner Nachbarschaft Blockpartys zu veranstalten, bei denen er auf seinen Plattenspielern Funk- und Soul-Hits spielte. Eine dieser Partys, eine Schulanfangsveranstaltung für seine Schwester Cindy, die am 11. August 1973 in der Sedgewick Avenue 1520 stattfand, gilt allgemein als der Beginn der Hip-Hop-Kultur – als alle Elemente an einem Ort zusammenkamen . Diese Saat würde sich schließlich zu globaler Dominanz entwickeln, sowohl für die Musik als auch für die umgebende Kultur.

Herc war bekannt für sein leistungsstarkes Soundsystem und dafür, dass er einen Zeremonienmeister einsetzte, um das Publikum zu begeistern – beides war von seinen jamaikanischen Wurzeln inspiriert. Herc unterschied sich schnell von traditionellen Discjockeys, indem er zwei Plattenspieler und ein Mischpult verwendete, um einen kontinuierlichen Musikfluss zu erzeugen. Anstatt Platten komplett abzuspielen, entwickelte er seine charakteristische „Merry-Go-Round“-Technik, die die Instrumentalpause eines Songs über längere Zeiträume verlängerte. Diese ausgedehnten „Breakbeats“ bildeten die frühe musikalische Grundlage für Breakdancer (B-Boys und B-Girls), um ihre Bewegungen zur Schau zu stellen. Herc verwandelte Songs wie „Apache“ von der Incredible Bongo Band, „It's Just Begun“ von Jimmy Castor und „Give It Up or Turn It Loose“ von James Brown in die Bausteine ​​des Hip-Hop-Sounds.

Hercs Innovation und Experimente mit Musik trugen dazu bei, den Entwurf für Hip-Hop zu schaffen und die Bühne für zukünftige Künstler zu schaffen, auf der sie aufbauen können. Er nutzte bestehende Musik und Technologie und entwickelte neue Denkweisen darüber, wie die Musik gespielt werden könnte, wie sie direkt mit dem Publikum interagieren könnte und schließlich, wie Moderatoren wie Coke La Rock und die Herculords über seine Beats rappen würden. Herc war maßgeblich an der Entwicklung der Hip-Hop-Kultur und -Gemeinschaft beteiligt und trug dazu bei, jungen Menschen einen Raum zu schaffen, in dem sie sich durch Musik und Tanz kreativ ausdrücken können. Mit den Worten von Kool Herc selbst: „Und es hört nicht auf!“

Wenn es einen Musiker gibt, der einen überragenden Einfluss auf alle Rockgitarristen hat – vom britischen Rock der 1960er Jahre über den Punk der 1970er Jahre bis zum Hardcore der 1980er Jahre und dem Grunge der 1990er Jahre – dann ist dieser Musiker Link Wray. Jeder junge Rebell, der eine Lederjacke angezogen und mit lauter, verzerrter Hingabe auf einer E-Gitarre herumgehauen hat, hat Wray viel zu verdanken. Mit einem DIY-Ethos und einer elektrischen Intensität wie kein anderer Gitarrist war Wray seiner Zeit ein Jahrzehnt voraus, als er in den 1950er Jahren auftauchte. Er machte sich Klänge zu eigen, die man zuvor selten gehört hatte – Verzerrung, Fuzz, Tremolo und Wah-Wah-Effekte –, die allesamt zu Grundbestandteilen der Rockgitarre geworden sind. Wray war der ursprüngliche Punk, der Erfinder des Powerchords und der Architekt eines Sounds, der den Grundstein für Metal, Punk und jedes Genre legte, das auf rohen, ungezähmten Lärm setzt, um seine Botschaft zu vermitteln.

Fred Lincoln Wray Jr. wuchs in North Carolina mit Shawnee-Ursprüngen auf und schloss sich seinen Brüdern in einer Band an, die eine Mischung aus Country- und Rockabilly-Musik spielte. Während seine Familie aufgrund ihrer indianischen Herkunft unter Rassendiskriminierung litt, würdigte Wray später ihr Erbe in Liedern wie „Comanche“ und „Shawnee“.

Legionen von Gitarristen bezeugen, dass der „Urknall“ für sie das erste Mal war, dass sie Link Wrays revolutionäres Instrumentalstück „Rumble“ hörten, ein schroffe Stück kantiger, brutaler Verzerrung, das er 1958 einspielte. Der rebellische Klangangriff von „Rumble“ schnitt ab wie eine Dampfwalze durch die Top 40-Radios, hallte über den Atlantik und hypnotisierte die erste Generation britischer Gitarrenhelden. Anschließend nahm Wray viele weitere legendäre Instrumentalklassiker auf, die alle eine angespannte, primitive Energie ausstrahlten, die die Essenz der Jugend perfekt einfing und den Rock & Roll für immer veränderte.

In den 1960er Jahren zog Wray zurück auf die Farm seiner Familie in Maryland und baute sein eigenes Aufnahmestudio, nachdem er die Versuche der Musikindustrie, sein Image aufzupolieren, satt hatte. Sein 1971 erschienenes Comeback-Album Link Wray war eine Mischung aus Country, Blues, Gospel und Folk-Rock, auf dem er sang und mehrere Instrumente spielte. Später in den 1970er Jahren nahm er mit dem Rockabilly-Revivalisten Robert Gordon Aufnahmen und Auftritte auf, bevor er nach Dänemark übersiedelte. Bis zu seinem Tod im Jahr 2005 nahm Wray weiterhin Aufnahmen und Auftritte auf, trug immer noch schwarzes Leder und spielte laut und stolz.

Der Einfluss von Link Wray hat sich über die Jahrhunderte hinweg fortgesetzt. Als einer der 100 besten Gitarristen des Rolling Stone ist sein Einfluss in Generationen britischer und amerikanischer Gitarristen zu hören, die ihm folgten, darunter Jeff Beck, Jimmy Page, Eric Clapton, Jimi Hendrix und Bruce Springsteen. Pete Townshend sagte bekanntlich: „Ohne Link Wray und ‚Rumble‘ hätte ich nie eine Gitarre in die Hand genommen.“

Funk-Queen, Rock-Göttin, Jazz-Sängerin, Disco-Diva – Chaka Khan verkörpert und übertrifft diese. Mit einer Stimme aus verführerischem Feuer und süßem Rauch erlangte Khan in den 1970er Jahren mit der innovativen Funk-/Rockgruppe Rufus Berühmtheit. Sie war gleichermaßen wild und feminin und Rufus' Geheimwaffe. In einer Zeit, in der sich das Publikum für Rock und Soul in verschiedene Lager spaltete, repräsentierten Khans Stimme und Präsenz die rassische und soziale Integration, die den Kern des Rock & Roll ausmacht.

Mit ihrem unglaublichen Stimmumfang und ihrer Beherrschung der Dynamik hat Chaka Khan seit fast fünf Jahrzehnten langlebige, kraftvolle Musik aufgenommen. Nach Rufus' langer Erfolgsserie gelang Khan 1978 mit „I'm Every Woman“ von Ashford & Simpson, einer erfolgreichen Mischung aus Rock und Disco, der Durchbruch. Im Laufe ihrer Karriere beherrschte Khan die Rhythmen aller Epochen, von Funk über Rock bis hin zu Hip-Hop; Sie stellte ihre Jazz-Wurzeln auch auf Alben wie Echoes of an Era (1982) und ClassiKhan (2004) zur Schau. Ihr bahnbrechendes Soloalbum „I Feel for You“ aus dem Jahr 1984 enthielt die kreative und aufregende Mischung aus Funk, Synth-Dance-Rhythmen und Hip-Hop des von Prince verfassten Titelsongs und der atemberaubenden Ballade „Through the Fire“. Khan ist nach wie vor eine der produktivsten und vielseitigsten Sängerinnen überhaupt, die sowohl Songbook-Standards als auch Soul-Klassiker mit großem Erfolg covert und 2008 mit Funk This den Grammy für das beste R&B-Album gewann, ihr zehnter Grammy-Gewinn. Khans neuestes Album, Hello Happiness, wurde 2019 veröffentlicht.

Inspiriert von wegweisenden Künstlerinnen wie Aretha Franklin und Joni Mitchell bleibt Chaka Khan eine der mächtigsten und einflussreichsten Stimmen der Musik. Es ist unmöglich, sich die modernen, aber sinnlichen Hip-Hop-Soul-Diven von heute vorzustellen, ohne dass Khans Einfluss anderen beeindruckenden Frauen wie Mary J. Blige, Erykah Badu und Janelle Monáe sowie vielseitigen, kraftvollen Sängern wie Sam Smith den Weg ebnete. Khans Werk besteht seit Jahrzehnten und inspiriert weiterhin Künstlerkollegen und Fans gleichermaßen.

Bernie Taupins Songwriting-Partnerschaft mit Elton John ist eine der erfolgreichsten in der Rock'n'Roll-Geschichte. Ihre über 50-jährige Zusammenarbeit begann 1967, als Taupin und John beide auf eine Anzeige der Musikindustrie reagierten, in der nach Songwritern gesucht wurde. 1970 wurde „Your Song“ ihr erster Hit und leitete eine Serie von vierzehn Top-Ten-Hits aus den 1970er-Jahren ein, darunter „Rocket Man“, „Crocodile Rock“ und „Philadelphia Freedom“. Mit seinem narrativen Songwriting, das von der Volksmusik von Woody Guthrie und Lead Belly, dem Blues von Lightnin' Hopkins und der Country-Musik von Johnny Cash und Marty Robbins beeinflusst ist, dienten Taupins introspektive Texte als Vorläufer der Singer-Songwriter-Bewegung der 1970er Jahre . Taupins reichhaltige Worte schaffen die eindrucksvollen Bilder, zu denen Elton John Melodien komponiert, die bei Millionen von Zuhörern Anklang gefunden haben. Das Taupin-John-Erbe zählt zu den bemerkenswertesten Songwriter-Duos des Rock & Roll, darunter Lennon-McCartney, Goffin-King, Jagger-Richards, Leiber-Stoller und Ashford-Simpson.

Mit Hits wie „I'm Still Standing“, „Nikita“ und „Club at the End of the Street“ erzielten Taupin und John bis in die 1980er und 1990er Jahre weiterhin kritische und kommerzielle Erfolge. Als die Welt Ende 1997 über den plötzlichen Verlust von Prinzessin Diana trauerte, berührten Taupins neu geschriebene Texte für „Candle in the Wind 1997“ die Herzen von Millionen; Die emotionale Hommage stand 14 Wochen lang an der Spitze der Billboard-Charts und wurde zur zweithöchsten verkauften Single aller Zeiten.

Zusätzlich zu seiner Arbeit mit Elton John hat Taupin Songs für andere Künstler geschrieben, darunter Alice Cooper und Brian Wilson, und mit Songs wie „We Built This City“ von Starship und „These Dreams“ von Heart Nummer-eins-Hits erzielt. Im Jahr 2006 erhielt Taupin einen Golden Globe für „A Love That Will Never Grow Old“ aus dem Film Brokeback Mountain. Zuletzt erhielt er einen Oscar für „(I'm Gonna) Love Me Again“ aus der Filmbiografie „Rocketman“. Taupin wurde 1992 in die Songwriters Hall of Fame aufgenommen.

Als Komponist, Multiinstrumentalist, Sänger, Arrangeur und Produzent hat Al Kooper großen Einfluss auf die amerikanische Musik und hat mit den größten Namen des Rock & Roll zusammengearbeitet. Kooper begann seine Karriere als Teenager-Session-Musiker bei den Royal Teens, machte gleichzeitig eine Ausbildung zum Toningenieur und arbeitete mit dem Songwriter-Team von Bob Brass und Irwin Levine zusammen – letzteres brachte 1965 den Nummer-Eins-Hit „This Diamond Ring“ von Gary hervor Lewis und die Playboys. Im selben Jahr wurde Kooper eingeladen, sich eine Bob-Dylan-Aufnahmesession anzusehen, und innerhalb weniger Stunden improvisierte er zusammen mit dem Bluesgitarristen Mike Bloomfield das charakteristische B2-Hammond-Orgelriff auf „Like a Rolling Stone“. Koopers Freundschaften mit Dylan und Bloomfield führten zu mehreren Auftrittsmöglichkeiten, darunter Dylans elektrisches Set beim Newport Folk Festival 1965 und das Album Blonde on Blonde von 1966, Super Session with Bloomfield and Stephen Stills (1968), The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper ( 1969) und Hunderte anderer Platten mit den Rolling Stones, The Who, John Lee Hooker, der Jimi Hendrix Experience, Alice Cooper, Cream, Tom Petty und Joe Walsh. Kooper produzierte auch Platten und Alben für drei der vier Beatles als Solokünstler: BB King, die Tubes und Nils Lofgren von der E Street Band; unterschrieb bei den Zombies bei Columbia und Richard Thompson bei PolyGram Records; und gründete sein eigenes Plattenlabel Sounds of the South, wo er Lynyrd Skynyrd entdeckte und deren bahnbrechendes Werk produzierte.

Kooper ist vielleicht am besten für seine Arbeit mit den Bands Blues Project und Blood, Sweat & Tears bekannt. Kooper trat 1965 dem Blues Project bei, dessen feurige Auftritte den urbanen Blues-Sound der 1960er Jahre festigten. Koopers Jazz-Instrumentalkomposition „Flute Thing“ aus Projections von 1966 wurde später von den Beastie Boys in „Flute Loop“ aus ihrem 1994er Album Ill Communication gesampelt. Koopers Musik wurde neben vielen anderen Hip-Hop-Künstlern auch von Jay-Z, Pharcyde und The Alchemist gesampelt. 1967 verließ Kooper das Blues Project, um mit dem Gitarristen Steve Katz Blood, Sweat & Tears zu gründen. Kommerziellen Erfolg erzielte die Band mit ihrem selbstbetitelten Album, das Songs wie „You've Made Me So Very Happy“ und „Spinning Wheel“ enthielt. Koopers Rolle war entscheidend, da er den hornlastigen Bluesrock-Sound schuf und Keyboards, Gitarre und Gesang beisteuerte.

Al Kooper spielte eine entscheidende Rolle dabei, einige der bemerkenswertesten Roots-Rockmusiker und Musiker der 1960er und 1970er Jahre auf die Weltbühne zu bringen. Seine Arbeit als Songwriter, Session-Spieler und Produzent macht ihn zu einem der Giganten der Popmusik.

Als Schöpfer, Produzent und Moderator von Soul Train organisierte Don Cornelius den „angesagtesten Trip Amerikas“ seit über zwei Jahrzehnten. Er schuf im Alleingang eine landesweit im Fernsehen übertragene Plattform für afroamerikanische Musik und Kultur, auf der die größten Namen aus Soul, R&B und Hip-Hop auftraten. Soul Train war ein Schaufenster für Koryphäen der schwarzen Musik wie James Brown, Aretha Franklin und Stevie Wonder und diente gleichzeitig als Startrampe für zukünftige Stars wie LL Cool J, New Edition und Mariah Carey. Cornelius glaubte an die „Schwarz ist schön“-Bewegung der 1960er Jahre und sagte, dass er „den brennenden Wunsch verspürte, schwarze Menschen im Fernsehen in einem positiven Licht zu sehen“. Soul Train setzte nachhaltige Trends in Musik, Tanz und Mode und der charismatische Cornelius verwandelte die Show in eine der prägendsten Kulturbewegungen der Welt.

Don Cornelius war einer der ersten Afroamerikaner, der als Schöpfer und ausführender Produzent einer Fernsehsendung fungierte. „Soul Train“ geht auf Cornelius‘ Tage als Nachrichtenreporter in Chicago zurück, wo er Konzerte an örtlichen Highschools veranstaltete – der schnelle Schulplan der Serie wurde „Soul Train“ genannt. Um seinen Betrieb zu rationalisieren, verlagerte Cornelius seinen Schwerpunkt auf das Fernsehen mit einer täglichen Nachmittagstanzshow auf Chicagos lokalem WCIU-TV. Soul Train debütierte am 17. August 1970 und war sofort ein Erfolg. Das Programm weitete sich schnell auf sieben weitere Städte aus und verlegte seinen Hauptsitz nach Los Angeles. Für die Zuschauer war Soul Train ein Hauch frischer Luft – fesselnde Musikdarbietungen, nicht geschriebene Gespräche mitten in der Show, Produktlinien, die speziell an ein schwarzes Publikum vermarktet wurden, und natürlich die berüchtigte „Soul Train Line“, die jede Sendung beendete. Questlove hat die enorme Wirkung der Show betont und sie als „ein Geschwisterkind, ein Elternteil, einen Babysitter, einen Freund, ein Lehrbuch, eine Nachrichtensendung, eine Business School und eine Kirche“ bezeichnet.

Don Cornelius hat ein Vehikel geschaffen, mit dem Soul, R&B, Dance und Hip-Hop ihren Weg in unsere Wohnzimmer finden. Dabei wurde er zu einem visionären Unternehmer, der vielen anderen die Tür öffnete – und sie offen hielt –, ihm zu folgen.

Hier sind die Nominierten für die Aufnahme 2023, die dieses Jahr letztendlich nicht für die Aufnahme ausgewählt wurden …

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