Die unabhängigen Designerinnen haben einen großen Moment

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Von Deborah Needleman

In der hektischen Welt der Mode ist die Zahl der Frauen an der Spitze großer Labels immer kleiner geworden: Carolina Herrera ersetzte sich selbst, Phoebe Philo verließ Céline und Donna Karan trat zurück. Von denen mit eigenen Labels – darunter Stella McCartney, Victoria Beckham, Mary-Kate und Ashley Olsen – waren viele bereits berühmt. Das soll nicht heißen, dass sie es leicht hatten oder dass sie ihren Erfolg nicht verdient haben, sondern vielmehr, um zu zeigen, wie schwierig es ist, eine erfolgreiche Bekleidungsmarke mit der Art von Unabhängigkeit, Integrität und Lebensqualität zu führen, die die meisten Frauen haben wollen.

Neben dem unaufhörlichen Wechsel der Kollektionen – durchschnittlich mindestens vier pro Jahr – müssen Designer führender großer Marken It-Taschen erfinden, Düfte und Kosmetiklinien für den Massenmarkt auf den Markt bringen und immer extravagantere Shows und Events organisieren, um die sozialen Medien zu versorgen. Dennoch sehnen sich Verbraucher nach Erlebnissen, Authentizität und Gemeinschaft – Konzepte, die zu Marketingzwecken schnell an Bedeutung verlieren. Kürzlich hat die umweltbewusste McCartney die Hälfte ihrer Marke zurückgekauft, die dem Luxuskonzern Kering gehört – vielleicht teilweise aus solchen Gründen.

Auch wenn es in mancher Hinsicht schwieriger ist, ein kleines, unabhängiges Modelabel zu leiten, als Teil eines großen Konglomerats zu sein, bietet es doch die Freiheit, seinen Instinkten und Überzeugungen treu zu bleiben, was wiederum zu einer echten Markengemeinschaft führt. Als Beweis reicht ein Blick auf drei in New York ansässige Designerinnen – Maria Cornejo von Zero + Maria Cornejo, Mona Kowalska von A Détacher und Rachel Comey –, die mit ethischen und gerechten Praktiken die Geschäftsabläufe in ihrer Branche verändern gegenüber ihren Herstellern, Mitarbeitern und der Umwelt. Sie tun dies nicht, weil es ein gutes Geschäft wäre (was normalerweise nicht der Fall ist), sondern weil es die offensichtliche moralische Entscheidung zu sein scheint. Und weil sie dies tun und gleichzeitig Mode kreieren, die artikuliert und vor allem antizipiert, was Frauen ausdrücken und fühlen möchten, haben sie sich die Hingabe und Loyalität ihrer Kunden verdient, bei denen es sich in der Regel um talentierte, selbstverwirklichte Frauen handelt: Architekten und Schauspieler, Schriftsteller und Galeristen.

Mona Kowalska, 54, wuchs im kommunistischen Polen auf und bekam durch ein Paar begehrter roter Clogs, die ihre Mutter für sie auf dem Schwarzmarkt kaufte, einen frühen Einblick in die Macht der Mode: Als sie diese trug, bekam sie zum ersten Mal eine Ahnung davon, dass es sich um Kleidung handelt könnte ein Talisman sein, ein Mittel, um der Welt als Ganzes das Persönliche mitzuteilen. Diese Magie in scheinbar gewöhnlichen Dingen zu finden – einem Rock, der aussieht wie ein um die Taille gebundenes Herrenhemd; ein kastenförmiges, mit Farbe bespritztes Popeline-Hemd, das an einer Schulter zu einem Knoten zusammengebunden ist – hat sich als unschätzbar wertvoll für den Erfolg ihrer 20 Jahre alten Linie erwiesen. Im Einklang mit Kowalskas Überzeugung, dass wir weniger hochwertige Kleidungsstücke in unserem Kleiderschrank haben sollten (ein paar Jahre lang trug sie an den meisten Tagen dasselbe Kleid von Martin Margiela, weil „es sich einfach kraftvoll und richtig anfühlte“), hat A Détacher, das ausschließlich in New York und Peru produziert wird, veröffentlicht nur zwei Kollektionen pro Jahr. Kowalska fertigt alle Drapierungen und Muster selbst im Atelier unter ihrer Schatzkiste in einem Laden in der Mulberry Street in Manhattan an, der neben den vielen Dingen, die sie selbst gemacht hat, auch Dinge verkauft, die sie einfach liebt: ihre Ex-Mutter in zum Beispiel Law's-Keramik oder handgewebte Badteppiche aus Portugal.

Tatsächlich ist das Streben, sich selbst treu zu bleiben, etwas, das alle diese Designer gemeinsam haben. Vor einigen Jahren wurde Rachel Comey, 45, klar, dass der übliche Aufbau einer Modenschau – Leute, die auf harten Bänken zusammengepfercht waren, um sich ein paar Minuten lang die Parade der Kleidung anzusehen – der Art der Kleidung, die sie herstellte, nicht gerecht wurde. Stattdessen begann Comey, intime Dinnerpartys zu veranstalten, bei denen sich die Gäste unterhalten und dabei Stücke sehen konnten, die von Models unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Rasse getragen wurden. Comeys Designs, die schon früh zu der kreativen Frau aus Brooklyn passten, die zu gleichen Teilen sexy, bequem und dumm aussehen wollte, sind manchmal zutiefst persönlich und greifen auf ihre eigenen Kindheitserinnerungen zurück. Ihre charakteristischen, viel nachgeahmten, verkürzten Jeans mit ausgefranstem Rand und der verräterischen weißen Falte wurden von einer Kindheitsverlegenheit inspiriert: Als kleines Mädchen gewöhnte sie sich daran, dass ihre Mutter ihre Jeans säumte; Aber als Comey größer wurde, ließ ihre Mutter einfach den Saum offen, statt neue zu kaufen, und so entstand eine zu kurze Jeans mit einem unfertigen Saum. Mit Comeys Reife hat sich auch ihre Kleidung verändert; Sie wurde inspiriert, Designs für die Bedürfnisse von Frauen mit unterschiedlichen Berufen und Körpertypen sowie für die verschiedenen Ereignisse und Aktivitäten in ihrem Leben zu entwerfen: Zu ihren Markenzeichen gehören jetzt kastenförmige Kleider und Einzelteile mit ihren individuellen geometrischen Drucken sowie eine Linie übergroßer Schmuckstücke sieht aus wie modernistische Skulptur. Der Designer setzt sich gleichermaßen dafür ein, die Produktionsseite der Mode zu rationalisieren. Die meisten ihrer Kleidungsstücke fertigt sie in New York und Los Angeles, und ihr NoHo-Atelier – einschließlich seiner alten Singer-Nähmaschinen – wird mit Windkraft von einer Firma betrieben, die sie auf dem Bauernmarkt gefunden hat. Comey stellt nur das her, was bei Einzelhändlern und für ihre Geschäfte in New York und LA bestellt wurde – eine langsamere, aber weniger verschwenderische Art, Geschäfte zu machen.

Maria Cornejo (55), eine der engagiertesten Change Agents der Modebranche, ist auch eine Pionierin der New Yorker Modeszene. Mit 12 Jahren floh Cornejo mit ihren Eltern aus Pinochets Chile, landete zunächst in Peru und ließ sich dann in London nieder. Später zog sie nach Paris, wo ihr erstes Kind geboren wurde; 1996 kam sie nach New York, wo sie ihr Label Zero gründete. Vielleicht aufgrund ihrer eigenen umherziehenden Kindheit als Flüchtling und Einwanderin ist die Bedeutung der Familie von zentraler Bedeutung für ihr Berufsleben, das von einem starken Maternalismus geprägt ist. Obwohl sie in den 1980er Jahren Mitdesignerin eines Londoner Kultlabels, Richmond Cornejo, war, mietete sie ihren ersten Raum in der Mott Street, ohne die Absicht zu haben, jemals wieder Kleidung zu verkaufen oder gar herzustellen. Vielmehr sah sie darin einen Ort, an dem Künstler zusammenkommen und zusammenarbeiten können. „Ein Geschäft ist wie eine Familie, es schafft Gemeinschaft“, sagt Cornejo. Als das Geschäft ein Jahr später endlich eröffnet wurde, begann sie wieder mit dem Entwerfen, nur weil sie als junge Mutter „Stücke brauchte, die ich überziehen konnte und die trotzdem interessant und cool aussahen“. Cornejo gehörte zu den Ersten, die die Lücke zwischen Avantgarde und Wearable schlossen. Ihre architektonisch fundierten Designs werden oft aus einem einzigen Stück Stoff geschnitten, wie ihre charakteristische Stretch-Seide, und in körperschmeichelnde Formen drapiert. Aber Design ist nur ein Element von Cornejos Prozess: Sie arbeitet daran, Abfall aus ihrer Branche zu vermeiden, unter anderem indem sie ihre Kollektionen herstellt, von denen 84 Prozent in New York City hergestellt werden, und zwar in Fabriken, die auf den Einsatz von Chemikalien wie Phthalaten und bestimmten Stoffen verzichtet haben Azofarbstoffe. Vor kurzem hat sie auch damit begonnen, eine neue Art von Kaschmir zu verwenden, der aus in der Fabrikhalle gefundenen Resten neu gesponnen wurde.

Es sind diese Berührungen – das Opfern persönlicher Vorteile für den Planeten; Die eigene Persönlichkeit in den Stoff der eigenen Kleidung einzuweben – dadurch wirken diese Marken sowohl zielstrebig als auch intim. Und in einer Zeit, in der alles vermarktet werden kann, fühlt sich das Zeichen wahrer Mission – so selten und so unübersehbar – wie etwas anderes, etwas Seltenes an: Man könnte es sogar eine neue Art von Luxus nennen.

Models von links (oben): Wayne Booth bei Heroes NY, Alanie Quinones bei The Society Management und Imade Ogbewi bei D1. Haare von Tamas Tuzes im L'Atelier NYC mit R+Co. Make-up von Misuzu Miyake im Art Department mit MAC Cosmetics. Casting von Arianna Pradarelli. Assistenten des Fotografen: Guarionex Rodriguez Jr. und Lacie Garnes. Requisitenassistentin: Megan Kiantos. Assistent des Stylisten: Cassell Jones